赵先闻：诗意的空间与气度
商泽军
　　我和赵先闻先生是鲁西同乡，那是黄河故道的所在，也许在他的血液里，喧腾的是黄河的潜流，那是一种气，也是一种不可复制的养分。黄河从艺术角度看是任性的，人们无法限定黄河的走向，它想从哪里人海，就从哪里入海，想开阔就开阔，想婉约就婉约。有谁说黄河的九曲十八弯转错了呢！
　　先闻是有个性的，在画坛的众声喧哗中，他喊出了属于自已的声音，但这种声音不是虚张声势的，也非小家子气的自恋，他从表面上看是在寻找一种笔墨、一种线条、一种构图，其实，这是一种自证，这从他20世纪80年代探索的一些画中可以得到佐证。中国画向来是舍形求神，但不是不要形，王夫之说“有形发未形，无形君游兴”，所谓的有形是可以在大自然中写生的，这是基础，但有形的下面、画家的意思呢？他的笔墨语言也是一种通向令人感到画家意趣和主旨的路标，但是，这还不够，在这个层次以外，我们可以感到人生的困境和乐境。中国画从顾恺之的“传神论”、宗炳的“畅神论”和“澄怀观道”、“以形媚道论”到苏轼的“论画以形似，见与儿童邻”等“文人画论”，都是把自然人化的抒情写意体系，以自然为酒杯，自已的块垒，而西方的是真实的影像，可感可触。先闻追求的是一种写意的、抒情的、夸张的，也可发产是咫尺之内、风云变幻的缩地术。
　　他的画是一种别人无可模拟的“混血”这不是贬义，是取油画、水彩、水墨三者之精而铸造，有时是柔婉，有时是高亢，有时是诗意氤氲。先闻曾说，我创造我的世界。前一个“我”，是自已的主体性，不能没有自我；后一个“我”，则是个体性，是独特性，不可无一，不可有二的独特性。没有前一个的我存在，后一个我就无法形成；没有后一个我的支撑，前一个我也无法存在。先闻是通灵的，他是花的知已，也是花的代言，所谓的“感时花溅泪”是花是人，人是花的境界。
　　先闻的画，突出油彩之“彩”，让人感到色彩烂漫，突出水墨之“墨”、让人感到传统的功力，突出水彩之“水”，让人感到流动，这里面有流动，有静止，也有质感和干湿。大家知道墨和色的混合，是画家的难题，常常是一胶合就脏；而在先闻的画里，却是变化与丰富，形成了独特风格，观之气度非凡。
　　先闻的展览曾在国内多个省市和北京举行，而在香港、日本、意大利、法国、美国、德国等国家和地区也时常出展、得到了中外观众和收藏家广泛的喜爱与好评。现在的画场，也成了名利场和商场，但先闻还能耐住寂寞，独自走自已选择和探索的道路，精进不已。作为他的同乡，我十分欣慰，故为文而记之，与天下同好赏。

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巧以养拙妙臻天然
——赵先闻现代彩墨画赏析
朱铭

　　我和先闻相处四十年了，至少在他作为一个艺术家的关键时刻，我都是看见了的。1965年，16岁的赵先闻考入了我任教的山东省艺术学校，1969年分配到了滨州地区艺术馆，1984年出任该馆馆长。先闻以充沛的经历，热情地组织起一大批专业和业余美术创作队伍，并致力于提高他们的水平，同时，自己的美术创作也取得了丰硕的成果，成为当地很有名气的画家。滨州的美术创作队伍，在先闻的带动下，日益壮大，形成一个具有相当实力和成就斐然的群体，是我省美术界的一支举足轻重的力量。赵先闻被推举为滨州画院院长，后又当选为地区美术家协会主席。
　　进入了90年代以后，赵先闻把他的活动领域扩展到了济南，这时，他已确立了自己中国现代彩墨画创作的艺术方向，并且得到了我国著名画家刘国松先生的教导，在80年代的拓彩画试验的基础上，融合现代水墨画艺术的许多理念，作品的面貌有发生了新的变化。在面临“不惑之年”的时候，先闻的艺术也达到了成熟的境界，一次次推出许多具有个人独特语言特征的力作，得到了全国同行的好评。现在，他是中国美术家协会的会员、国家一级美术师、山东省美术家协会副秘书长、山东画院高级美术师。
　　赵先闻的艺术道路，是一条不断创新、不断前进的道路。他是一个不肯墨守陈规、循归蹈矩的人。赵先闻投身于现代彩墨画的追求，几经努力甚至经过失败的痛苦，创立的自己的语言体系，找到了自己的现代彩墨画运动中的发展轨迹。他执著地沿着自己的轨迹走下去，勤奋而且愉快，因为他实现了自我，获得了成功的喜悦。
　　经历过不断创新的锻炼，赵先闻进入了一个自觉的，坚定的时期，在上世纪末本世纪初，也就是他50岁前后期，他的自我风格终于被人们所公认。
　　“我就是我”这句话，是冯玉祥先生说的，如今赫然雕刻在泰山西山的冯玉祥墓上。如今赵先闻也用这句话来说明自己的追求，宣布自己要创造独一无二的艺术风格，他说：“世界上只有我一个，我就是我。我的画就是我的画，为我独有。”我认为，艺术家之所以是艺术家，就在于他有这么一股疯劲儿，但绝不是狂妄，因为艺术的最宝贵的内涵，就在于创新。而创新，就是要做到敢于标新立异、与众不同。先闻的创新是在中国传统绘画的基础上，经过深思熟虑的顿悟。他在经过长期的研究之后，选定了传统文人画的两个要害之处，开始了他的革新。他说：“中国传统文人画的两大软肋：一是不讲色调，二是不讲构成。创造新传统，不妨从这里打入。色调和构成，民族精神和现代观念：这就是我的追求，这就是我的现代彩墨画。”循着这条思路，我们也来看看先闻所做的努力。
　　第一是中国画的色调问题。纵观赵先闻的彩墨作品，墨依然是画画的骨架与灵魂，但色彩的统领作用却显得十分突出。也许是刻意的安排，每一幅画上，由一个主色统领，把周围的笔墨线条巧妙地组织起来，成为一种富有节奏的层次推进，构成赵先闻作品的特色。
　　赵先闻的成功之处在于，虽然他有着丰富的水彩画色调表现能力，但当他把这种体验和能力投入到中国画色调探索的时候，并没有停留在自然色彩表现的层面，而是非常和谐地融入中国画的意境中去。因此而更具精神性。
　　第二是关于构成。这里主要指的是花鸟画构图中的布局问题。先闻认为，之所以讲够成，是因为构成比常用的构图更强调画面诸形式因素中的内在联系，更重构图元素中的组合关系，更重画家的理念表现。它绝不是简单的一个层面的开合，也不是简单机械的分割样式。像传统花鸟画常用折技法，就很少变化，赵先闻现代彩墨画的构图，确实在这方面有了一个革命性的变革，在正方形里面，赵先闻自由地运用着“平面构成”的基本骨骼，把画幅内的素材梳理成各种构成章法，呈现出精心设计的秩序感。或平行，或渐进，或放射，或变异。再加上大小、多少、疏密、长短的变化，在秩序中又蕴涵着突破秩序的变异。可以说，他在花鸟画中把构成的原理用活了！
　　赵先闻把他的构成原理概括成十二个字，很生动，很有新意。即“点线面、角方圆、黑白灰、红黄蓝”。他说，这十二字里面包含了构成最基本的元素，最基本的形状，最基本的层次和最基本的色调。这也就是他关于构成的“最基本的理论”。
　　新颖的构图和新颖的色调是赵先闻作品的主要特征，这是传统功力和创新精神的完美结合所造就的成果。正如赵先闻说：“我创造我的世界，我在我的世界里”。

2004年3月30日，于济南
 
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 我在我的世界里
——赵先闻花鸟画一瞥
格式
　　我一向认为，没有限定，就没有艺术。赵先闻之所以敢给自己的花鸟艺术设限，是因为他身上拥有一个丰富而自足的内心世界。在这个世界里，他不仅听懂了鸟语，弄通了花香，而且将鸟语和花香，及时有效地沉潜为光与影的协奏。表面观，似乎是艺术家的自闭在作祟；殊不知，艺术家的真正自觉，恰恰体现在他是否明淅自己的创作边界，能否做到有所为有所不为。
　　国画是一门用水的艺术。反应在宣纸上，即惟气味与神韵是举。隐隐约约，朦朦胧胧，栩栩如生，与其说是一种艺术境地的显现，不如说是一种艺术状态的自在。在艺术与自然的关系上，国人一直强调似与不似，但处理的重心，则往往落在不似上。不似，就是大体上，差不多，也许是。这种模糊的心态，固然使国画生就一种欲擒故纵之效，但毕竟无法酿成强烈的视觉冲击力。早年的先闻是从西画起步的。西画斑斓的色彩，令其深刻地体悟到，国画一贯的灰暗，缘于艺术家的用光不足。光是什么？光是照亮，光是担当。众所周知，中国文化是一种阴性文化，其与生俱来的推挡与回避，造成了诸多事物的缺席。不能正视，不敢面对，故而令大伪似真的画风猖獗几世。由此，先闻意识到了自己的责任，决计用光来照亮事物的肌理，用光来体察人与世界的相遇。
　　先闻说，我创造我的世界。前一个“我”，是属于主体；后一个“我”，则是个体。没有主体的觉醒，个体就难以形成；同样，没有个体的支撑，主体的能动也无法产生。上个世纪八九十年代，文化艺术界各种主义的提出，一方面标识着作家艺术家作为创作主体的恍然大悟，另一方面又因同时缺乏大批个体化的经典文本来支持，故而仅仅构成了一种集体意淫或曰众声喧哗。作为其中的一个亲历者，先闻充分地意识到，一个艺术家倘若没有大量优秀的作品示人，再好的说法也是一种招摇过市的幌子。于是，他以“不似”作为自己艺术创作的突破口，努力调动“似”的多种创造手段，在似与不似之间，展开了气与力的拉锯、灵与肉的博弈。最终的结果，是先闻于大起大落中，不舍精雕细刻，荡气回肠里，难忘启承转合，形塑了一种簇新的个体主体性。
　　那么，什么是个体主体性呢？贝多芬曾经面对一位音乐家的指责，大声呼喊，“我可以，你不可以。”具体到先闻这里，不难发现，他的每一幅花鸟画在“俯拾皆是，不取诸邻”中都透着放任与放肆，又时时有“雾余水畔，红杏在林”之感。前几日，一位书法家与我讨论起传统艺术的工艺问题，当时我直言不讳：在当今这个资讯如此发达的时代，任何一门艺术的工艺，都难以构成独立的秘密。工艺的提高，更多的时候不在工艺本身，而在工艺之外。说来说去，恐怕还是要追究到艺术家的个体主体性。长期以来，中国的花鸟画多富贵之气，而少高贵之象。然而，先闻的《三思图》，让我改变了个人先在的成见。画中荷叶的颜色虽然不浓，但却得势而立；三只似睡非睡的鸟，微闭的双目既有沉思之姿又有冥想之态，飞翔着然而又是有机的飞翔。悉心刨根，气定神闲。我这才觉知，艺术家的情感浓度，并不能必然地造就艺术的高贵；但是艺术家的情感张力，却必然地能匕现出艺术的高贵。当我想到这里，自然希望先闻以后的笔墨，都是一种随时间而来的智慧。因为我创造我的世界，我在我的世界里。
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鸟明花聪于我心
——赵先闻花鸟作品赏析
长征

　　“吾心即宇宙”，在赵先闻看来，人的肉眼纵使再犀利，也不能穿透浑茫的物质的遮蔽。然而一个艺术家的心灵更希望勘探到物质背后的另一个世界，他希望牵引着一根光线找到进入那个世界的途径并把那黑暗中的神秘照亮。这一丝光线在画家的手里游走、逗留、盘亘、然后濡染浸润形变凝聚历经春秋，化为荷菊，化为灵鹭，而鸟的目明亮深邃俯瞰苍生，而花的耳聪敏蓬勃聆听着——隐藏在心灵深处也是宇宙深处的消息：风景和声音。
　　早年的先闻学画是从西洋的水彩入手的，那时他凭着青春的激情和聪颖，贪婪地吮吸来自大地的光与影，透视着那些造物美妙的形体，他的色彩准确地捕获和彰显出事物在他的理解中应有的姿态，宁静中的植物，运动中的日月星辰，以及光影变幻带来的时空交错和物换星移，当然那种色彩表现的是一个指向未来的线性的时间观念，在先闻的记忆里那是一去不返的时光带来的对于故乡古老事物的执着挽留。当这些缤纷的事物中响起了深邃而邈远的足音，他的色彩与光就返照出掩埋已久的传统的根须——浪子回头，泪沾衣襟，线条和色墨才下眉头即上心头。他的画面开始变得回环往复、寻寻觅觅，蛇灰线般游走在心灵的世界，那些花鸟的符号开始传递出他的自存和瞑悟。
　　一种独特的绘画语言缭绕在倔强而软弱的宣纸上，光影消隐为浑朴，造形类于神似，这种文化心理的异质同构注定了他是独辟蹊径又是海纳百川的独立行走，使他成为了艺术归途中的差异者，在大师林立的艺术丛林中尽情标识又游刃有余，属于他自己的那块精神领地就脱颖而出，应运而生。
　　一个沉朴大器的艺术家是从不为风格而急于求成的，如果他最终又给人留下了清晰的面貌，那即与生命的拒绝同化和混淆有关，先闻认为：“我创造我的世界，我在我的世界里”，既然他意识到这种个人时间中的冥想感悟之花绽放，既然他和世界达成了某种谅解：回环、通达、合一，他就不可能受制于即成的文化存在，他只能汲取和融合而拒绝模仿和拆装，从陈陈相因走向生生不息
　　在他的《玉颜微红》中，蓬勃的丛荷像裸露而鼓涨的乳房，昭示着大地旺盛不竭的生命力，清褐色的荷叶，暗紫色的尖角，丰满的花苞到怒放的荷花，花心袭人，层次清晰又相互吐纳，揭示了事物的成长过程，仿佛暗示了生命从潜龙在渊、见龙在田到飞龙在天的演变：即乾卦。在《荷塘情》中迷蒙的田田荷叶，清晰的线条勾勒出几近无色的荷花，红黑相映的鱼儿游出荷丛又欲回转，在这种简约又流畅的布局中，融入了“江南可采莲，莲叶荷田田，鱼戏莲叶间，鱼儿游向东，鱼儿游向西，鱼儿游向南，鱼儿游向北”的民间情调和生命流转回环的神游情态。在《花好月圆》中，菊花的黄金又拥挤又富丽，背后铮铮翠竹拔出画面，一轮淡黄的圆月像古老的铜镜开始显现，那一双依偎的鸟儿在聆听着时光又一次带来的爱的圆融以及一丝幸福之中无法言传的无奈和忧伤。在《素房含露》中，我们仿佛听到了另一种喧闹和繁杂，但那是背对了尘世的噪音而获得的生之热烈的图景，那是飞珠走露的演奏，风荷摇曳的旋律，是事物各得其所后的合唱，饱满的布局扩张着画面，飞行的鸟儿把人引向了一个纯粹又丰富的新天地。在《三思图中》，淡绿的菏叶像垂挂的瀑布，深掩在淡花中的鸟儿沉思默想又安居乐业，微闭的双目似醒似睡似沉沉入梦，三只鸟儿三个梦，梦中有梦，层出不穷。在《竹报平安》里，分布着稀蔬而卓立的竹，竹的背后层次不同的分布着回旋的条纹，像清石的纹路，又像是时光的转换留下的沧海桑田，一种自古而来的悠远祥和，四只欢腾啁啾的鸟儿又把我们带到了如临其境如闻其声的活脱脱的情景里。
　　“中得心源，外师造化”，在长期的艺术实际中，先闻尊崇自然又推陈出新，他的花鸟作品逐步带上了“满、淡、染”的突出风貌，丰满的画面构成有意背离了蔬朗、通透的传统原则，却获得了向画外突破和延伸的张力，清淡素雅的色彩与线条通过有效地濡染，给人留下了审美想象的底色，从而获得了生长性和繁殖力，带上了未完成美学的特征。
　　我创造我的世界，他将在个人的精神历史中不断地突破自己；我在我的世界里，他将在自我的心灵空间中出神入化地找到自己的色彩与线条。

让色彩绚烂视野
--赵先闻新写意花鸟画浅折
  长英

　　几片荷叶、、、在墨绿的主色调下，或者肥硕、或厚重、或浅淡、或飘逸，错落有致和形态各异地相互映衬，仿佛同一曲调的不同音符，序列得当又不可或缺，共同演绎节奏的连续有力、、、色彩丰富便是形式的充分。强烈的色彩感受以及独具匠心的艺术处理，使得画面非但欢乐明快、浑厚扎实，而且表现有扑朔迷离、飘忽游移的动势，有如微风拂临、摇曳生姿并且仪态万千。而荷叶掩映之间，几朵荷花娇羞专职开放，开放出少女的纯情和浪漫；一对情侣鸟深情地偎依，诉说着永远说不完的甜言密语、、
　　这就是赵先闻先生描绘的《赏荷图》。他通过简化、明晰、变形、综合等方法，完成了对于物质符号的表达，并通过色彩的表现力量，形成秩序和谐和结构层次，使或浓或淡、或密或疏的点染，生发出无尽的变化，既有空间效果的透视功能，又有浓烈的诗意氛围、、、清晰地勾勒出整体韵律运行和赆灵颤动的轨迹，展示出一个属于心灵的神秘世界。
　　绘画是视觉艺术。视觉艺术中色彩便具有极为重要的作用，色彩效果的充分发挥是作品完美的重要条件。但色彩效果的发挥不在于使用色的多寡，而在于使用的技巧和方法，在于使用的色彩的湮融变化和无限生发--用有限的色彩创造出无限的艺术效果。通过赵先闻先生的画作，我们可以体会到这一点。无论画什么，他使用的色彩都不是单一的，但也决不缤纷缭乱，主色调之下，其它色彩都是观照性体现，主色调则因位置不同、作用不同不断晕透、濡染，再晕透，再濡染，层叠衍化，并使形体的轮廓成了分割色彩面的流动因素，各个色块之间相互照应、紧密烘托，使整个画面产生一种极具张力的、和谐的交响乐式构图、、、甚至同一叶片，不同角度也有不同的色彩效果，从而创造出不同空间的视觉差别。同为荷叶，他可以画成绿黑，也可以画成灰、蓝，但哪一种颜色都让人觉得适宜得体，都是特定绘画语境的色彩运用，因为哪一种颜色都居统领地位，相应地或淡化、或强化，淡化或强化到氤氲、浑朴，并用色彩完成轮廓构造，打破线条的含蕴和界限，使色彩与线条和谐共振，产生出既有放任想象的梦幻效果，又有写实的形成支撑，浓重处有如沉石，给人一种沉甸甸的价量：轻淡处有如蝉翼，微风变可使之飞扬......画面整体浑然天成，状物境各具神韵，而笔墨之下，浓烈地透出一种含蕴、一种意味和一种无以言说的情状。臂如纹络，他的荷叶的纹络决是那枯清晰有力，观赏中让人感到一种骨胳的架构，一种力量的生成和凝聚，进而联想到孩子臂膀一样玉润的潜伏以及为人称道藕断丝连的组织体系......
　　色彩是什么？色彩是情感的载体也是画家的表现能力，那看似随心所欲或重轻的涂抹其实有着深厚的来源，是画家对于事物的独特的感觉体验。画家眼里的事物不同于普通人眼里的事物，那是一种艺术化了事物，即个体富于情怀的关照，对于世界充满感情与表现的观照，因此荷叶可以被画成黑了可画成蓝，可以画成灰也可以画成绿，有如“事时溅泪，眼别鸟惊心”的移情，或“群山站立起来“的内模仿，都是美学观点的具体，有了感情，思想和行为，作为画家的主体也外在地分享客体的生命......色彩不仅仅在描绘、表现，而且在诉说，在阐述，在表达人的特异的感觉和更深层次的观点，启发性力量不言面喻。因此说，赵先闻先生将色彩运用得如此大、吊诡和稳熟，源出于内心世界的丰富沉厚——对于事物的深入体察和对于绘画艺术的本质把握。他不是面对具体的自然事物，而是以主动参与的态度以情感化表达，以心灵力量——充沛的想像力重塑生命力勃发的事物。他画《荷风六顺图》，通过色彩的调度完成了轻风的描述，荷叶姿娑、露珠悠动，荷花初绽 ，凝重中有淡雅、热烈中冷静、纷杂中有超脱，“出污泥而不染”的意味被充表现，虽然没有人，却可以感受到人情怀、意趣，可以感觉到人对于理想境地的追求与渴盼。他的《月韵》，在苍穹的背景上，他又用浅淡的银灰成了起伏颠连、缠绵缭绕的自然肌理和纵横交错的脉络结构理，使背景宏、博大，充满音乐般的形式韵律，而淡淡的月光下，兀立的岩峰上的一对小鸟，像闪响东背景下的舞台人生，演出着一波三折的爱情的神圣与尊严。特别值得一提的是赵先闻先生为纪念抗日胜利60周年创作的《菊颂》，以红菊为主体也为背景，漫山遍野血样的色彩诉说着抗日战争的艰苦卓和重复的来之不易，而菊丛中间或突起的嶙刚巨石，则象征着中华民族的铮铮铁骨与坚贞不出的民族性格，慷慨悲壮这情溢于纸......《菊颂》既有象征、又有暗示，既、简单、明晰，富有高度的概括力，又转达了宽泛健朗的民族感情，凝重、深沉的气氛下绘画语言的表达与文字性的陷喻等量齐观，色彩在表现物理属性的同时也获得了精神内涵，意味极为深远。
　　缤纷未必真色彩，高妙之处绚丽生。对于赵行闻先生和作品，我们毋需进行师承渊源的追问，也莫做风格流派的探录归类，仅以色彩而言，仅以色彩的绚烂感觉，我们可以断言：这是一位有着自己主张的有个性的画家。
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画入书中、书呈画境
－赵先闻先生书法谈　
　
长英

　　生活中有许多令人难以想象的事情。
　　一直致力于美术创作的著名画家赵先闻先生竟又搞起来书法，并且出手不凡，自成机杼，以更为现代，更为开放，更为达观的艺术态度展示书法这传统艺术的强大魅力，令书法界的行家里手惊奇不已。
　　欣赏赵先闻先生的作品，我们不能不承认其间含有一种卓尔不群、超迈博奥的艺术气质－－如果我们能够得以理解。那一幅幅看似信手拈来、随心所欲的作品隐约含有一种磁力，并逐步强劲，使之陶陶然融入作品之中，而在反复的品味中，又有越来越多的通道逐次展开，或狂放、或疏朗、或飘逸、或儒雅、或滞重、或恬远，每一途径都有非常的风光任之领略，因而不但使我们体悟到书法艺术丰厚的含蕴和高妙之处，也惊奇尺幅之间竟然拥有如此的广阔天地。
　　肯定地说，赵先闻先生的书法格调得益于他的绘画功底，因为他的书法作品如画一般具有整体的画面美的特点，仔细揣摩中我们可以发现，在他的书法中，字的形态结构被淡化了，淡化到微不足道的地步，而主要的是字与字之间，行与行之间，所有的字与字、行与行之间内在联系，其中没有超然幅外的，包裹题款和署名，都内在地联系成一节奏，一种韵律，一种浑然一体而又匠心独具的交响诗篇，有舒曼悠润　人情怀的小夜曲，有跌宕回旋波折有序的变奏曲，有雄浑刚健催人奋进的进行曲、、、一首浪涛沙《赤壁怀古》、宛如滚滚长江奔腾回旋、激浪千叠、而浪涛间又有帆影闪动，渔歌唱答、、、他的书法更具有了“画”的意味，该突出的突出，该衬托的衬托，该点染的点染，观照严谨而风骨健朗，构图布局浑如画卷。这里没有了通常意义的纯技术操作，重要的是作者的书法艺术观念－－将字的形体结构作为要素，通过要素的排理调度完成画面的构筑，并使诗文内容的到具有自身特质的形式载体，既有强烈的视觉刺激，又有充沛的文化含量－－可以多角度理解，使人在解读中深切体味文化精神和书法魅力，并尽情享受艺术给人们带来的解放与张扬－－像所有的文化带给我们精神上的愉悦一样，在理性的框架内激情碰撞，可理解的确定性中又有不可预见的偶然性，能够自由畅想有遵循清晰可感的规则轨迹，明朗中的深沉，大胆中的细腻，不经意中的画龙点睛，触之于感觉而动之于心灵。或者，这便是书法艺术的本意，在幸勤劳作之后，在亲朋欢会之际，在烦恼侵忧有难以摆脱的时候，展开赵先闻先生的字幅，细细的品位一番，相信一定会有许多的收益，欢跃的心情会有锦上添花的惬意，孤独的心灵会得到一丝温暧，而被伤害的感情也会得到相应的补偿、、、、
　　书法艺术是审美的，而审美则是以愉悦人的精神为前提。从这一角度理解，我们的传统书法艺术承载了太多的观念的负荷，而应有的创造力并未得到应有的发挥。时下，关于书法创新的讨论仍在继续，但如何创新却又莫衷一是，没有人敢予定论，结果很多人都在喊看创新的幌子下摹仿古人抑或今人，在一种极为有限的境界中完善与陶醉。如此看来，赵先闻先生的书法是应予肯定的，在他的书作中，更多的都是自已对于书法的理解的体现，且风格独到，气韵盎然。当然我们不能说赵先闻先生的书法便是创新的方向，但无论如何，这是一种有价值的探索，起码为广大书法家和书法爱好者提供了一种创新参照，其间的意义，可想而知矣！
 
赵先闻：书法证道
商泽军

中国书法向来是讲究“道”的理解与体悟，如果没有了道，一些的怪异、探索，都会被看成妄作。但书家的毫颖所展现的优美的线条，墨的渲染与干枯所呈现的无边的线与面、骨与肉、浓与淡、柔与刚干与湿，确实既是书家精神情感身体的印记，也是自然万物与人和谐的体现，所谓书道即人道也即所谓的自然之道。

孔子说“志于道，据于德，依于仁，游于艺。”，这是古代的书家从艺的原则，从心画到尚骨重神，然后以道进技，或技道两进，在技道二者之间找衔接，然后人书俱老，做书即做人。而我以为，赵先闻的书法作为一个现代人，他背负着深厚的传统，在面对着传统绝望的境地里思索，思考书法的生死；作为一个现代人，作为一个不甘被传统奴役的书家，承认绝境，那他才能在书法的绝境中悟道新生。有人说：给人希望的不是希望，而是绝望！信然。
    
从此意义叙说，赵先闻的书法是一种绝望的记录，是无法把握偶然在，对物界，对传统，对自我的桎梏在困境的带着血迹的印痕，它充满了对传统的影子和现代人不可把握命运的疑惑和对荒谬及困境的认同，这是他区别当下许多书家的地方。
    
赵先闻的书法是一种独异的生命的存在，是一种对传统了然后的舍弃，是一种背叛，也是一对当下人的命运倾听与倾诉的墨的生命存在。对每个人，在夜间不寐的时候，都会有最基本也是最哲学的问题凉意袭来，活着，是不易，居人世大不易，我们要追问的是活下去的根基是什么？我是谁？我从哪里来？我的归宿及路途的坎凛与顺遂？这里面透出的是命还是唤起的人生的抗击的慷慨悲歌的进击？
    
对先闻来说，这个根基是书法，在墨池涂抹中他寻找自己。我们知道中国哲学的“有”“无”之辩，有与无，就如充实和虚无的关系，白纸是无，无通过有去开始，人就是去充实生活意义本质的。当然，也有看透生活的人，他对人生看作空白，无欲无作。书法就是一种精神，一种基于内在性的需求，这是一个和自己幸福有关的事情。曾有过的苦难与无依，无疑使先闻的内心产生焦虑，但他的书法的起点也正是源与焦虑。焦虑是他摆脱现实，走入墨的世界，但在墨的世界，他又要摆脱有形的羁绊，象精神世界提升；焦虑，是他墨的探索和精神求梭的催促，也是生命的表达。
    
但我想，先闻在接触书法的第一境界时，是一种对人要活的有意义，得有一种东西，你愿意为之生为之死，为之累，愿意为之耗尽性命，这是书法，这书法给了他动力，于是寒冷，自然的和人世的已不再重要，苦熬，物质的与精神的，也非苦痛。
    
书法在这里有了一个新的作用，审美的救助。这是有过大苦痛的人，开始欣赏起过程，在书法的线的舞动中，激动或者沉静，不用慌，把自己的过程走好，承认人的残缺，承认现实的缺失，这个样，就选择了书法，把书法看成对困境的消解。
    
人生有孤独焦虑，人生有缺憾，书法对先闻来说就是人活着的意义，书法与活着是一而二，二而一的东西，是一个金币的两面。

先闻书法的境界所在，是书法不应对社会人生闭眼，通过静与空来达到“物我两忘”的所谓的审美状态，康德是正确的，审美是不关利害实在、而只涉及纯相形的趣味判断，先闻忘记了世事与苦痛了吗？“忘”之所以可能，是因为审美对存在的“现实”闭上了眼睛，有点小乘佛教的意味，但先闻在书法里透出的是一种艺术判断，他没有抹去人世的残缺，苦痛，虽然从外部看，艺术判断和审美判断是相似的，都采取一种超现实功利的态度，但审美的超现实是对现实的遗忘，沉醉在幻象中把玩，不存在着关怀，而艺术判断的超现实态度则在穿透显示的“实”，洞察生存的实在，并给予超功利的神圣关怀，若说在审美趣味中深藏着对生存的盲视和对生存苦难的冷漠。而先闻在书法的空间里，具体就是在他的线条布局和经营中，则有着对生存的洞见和对现世的关怀。
    
  先闻的书法，从寻找人生的替代入手，在书法里安身立命，后来他看出了身边的残缺和丑陋。现在呢，他是怀着一颗爱心来知觉自己的一切，在爱里透出一种力量。
    
书法从某种层面来说是我们的文化的最中心的部位，它是哲学，是诗境，也是最纯净的生活。书法是了解先闻最好的解码口和通道，我想，做为画坛名家的先闻，与书法的结缘和投入，他会是怎样的创疼？这在画界书坛无疑也是大手笔，大创造。投入的爱一次，他在用中国古老的文字和点划，又为自己的人生划出一壮美的法帖。

（作者商泽军为中国著名诗人、文艺评论家）